ARMONIA:

- La armonía: Es una combinación de notas producidas simultáneamente, y vendría a ser la
contraposición de la melodía (donde los sonidos se emiten uno detrás de otro).

Los orígenes de la armonía
E l sistema organizado de la armonía occidental, practicado desde el año 1650 al 1900
aproximadamente, evolucionó a partir de la música estrictamente melódica de la Edad Media que
dio origen a la polifonía. La organización de la música medieval deriva de los conocimientos
fragmentarios de la música griega antigua por parte de los teóricos medievales.
La música de Grecia consistía en las melodías cantadas al unísono o a la octava, el término
armonía lo encontramos frecuentemente en los escritos sobre música de la época. Los principales
teóricos nos muestran una visión clara de un estilo musical que consiste en una elección amplia de
“harmonías”, y Platón y Aristóteles discuten el valor moral y ético de una “harmonía” sobre la otra.
En la música griega una “harmonía” era la sucesión de sonidos dentro de una octava. El
sistema griego contemplaba siete “harmonías” o tipos de escala, distinguidos unos de otros por su
orden de tonos y semitonos. Más tarde, estas “harmonías” fueron llamadas modos, un término más
amplio que incluía la línea característica de una melodía, así como también la escala utilizada. Cuando hablamos de armonía en música, nos referimos a la combinación de diferentes
sonidos o notas que se emiten al mismo tiempo, aunque el término también se utiliza para referirse
a la sucesión de estos sonidos emitidos a la vez.
La armonía funciona como acompañamiento de las melodías o como una base sobre la que se
desarrollan varias melodías simultáneas. Con esto, podemos decir que melodía y armonía son
términos muy relacionados entre sí, pudiendo considerar la melodía como un conjunto de sonidos
armónicos que se suceden en el tiempo y están en relación con los acordes en los que se basa esa
melodía.
Ahora vamos a pasar a definir cada uno de los elementos que componen una armonía.

Cifrado barroco o bajo cifrado

Era costumbre de los compositores barrocos escribir la línea melódica del bajo - a ser tocada por instrumentos como el cello, contrabajo y la mano izquierda de instrumentos de teclado - con unas cifras añadidas que indicaban al tecladista los acordes que debería utilizar:

La sección compuesta por los instrumentos que tocan este bajo y los que lo realizan armónicamente recibe el nombre de bajo continuo.

El uso del bajo cifrado fue abandonada posteriormente, prefiriendo el compositor escribir con exactitud lo que debería ser tocado, sin embargo el cifrado barroco se sigue usando en el estudio de la armonía hasta nuestros días. 

Bajo continuo

También llamado «bajo cifrado». Acompañamiento que ejecuta un instrumento de teclado (el clavicémbalo) o punteado (viola o violoncelo), muy utilizado en época barroca. Las sonatas barrocas se concebían para tres instrumentos: dos violines, la viola da gamba o el chelo. En estas sonatas siempre intervenía un clave, cuya partitura no estaba escrita del todo. Al intérprete se le daba solo una nota grave, de bajo, con unos números o cifras que indicaban los intervalos del acorde que debían formar. Este tipo de acompañamiento, en el que también cabía la improvisación del intérprete (haciendo arpegios, ampliando los acordes, etc.), se consideró idóneo para acompañar a las voces en la naciente ópera del s. XVII y para algunas formas como la tocata. 

CONTRAPUNTO: 

contrapunto es la relación entre dos o más voces que son independientes en ritmo y contorno, y también en armonía. Se lo identifica mejor con la música de occidente, habiendo tenido un gran desarrollo durante el Renacimiento, y ha sido dominante en gran parte del periodo práctico, especialmente en la música Barroca. El término contrapunto proviene del Latín punctum contra punctum (“nota contra nota”). En todas las eras, la escritura de música organizada contrapuntalmente ha estado sujeta a ciertas reglas, a veces muy estrictas. Por definición, los acordes ocurren cuando múltiples notas suenan simultáneamente; sin embargo, las características armónicas, de acordes y “verticales” son rasgos secundarios y casi incidentales cuando el contrapunto es el elemento predominante. El contrapunto se basa más en la interacción melódica que en los efectos armónicos generados cuando los hilos melódicos suenan juntos. Según John Rahn:

Es difícil componer una canción realmente bella. Pero es más difícil aún escribir individualmente varias melodías bellas que, cuando suenan simultáneamente, se oigan como la más armoniosa composición polifónica. Las estructuras internas que crean cada una de las voces separadamente contribuyen a la estructura emergente de la polifonía, la cual debe reforzar y comentar sobre las estructuras de las voces individuales. El modo en que esto se lleva a cabo es mediante el “contrapunto.” La separación de armonía y contrapunto no es absoluta. Es imposible escribir líneas simultáneas sin producir armonía, del mismo modo que resulta difícil escribir armonías sin una actividad lineal. El compositor que elige ignorar un aspecto a favor del otro aún debe enfrentar el hecho de que el oyente no puede simplemente apagar los armónicos o alguna de las líneas que escucha; de este modo, el compositor se arriesga creando molestas distracciones indefinidamente. El contrapunto de Bach—muchas veces considerado como la síntesis más profunda de dos dimensiones jamás lograda—es extremadamente rico en armónicos y siempre con una tonalidad dirigida claramente, mientras que las líneas individuales permanecen fascinantes.